En el escenario mundial, tiene
comienzo la Segunda Guerra Mundial situado en el 1 de septiembre de
1939, con la invasión alemana de Polonia
y
el primer paso bélico de la Alemania
nazi en su pretensión
de fundar un gran imperio en Europa. La Segunda Guerra Mundial
estalló después de que estas acciones agresivas recibieran como
respuesta, una declaración de guerra y la resistencia armada o
ambas, por parte de los países agredidos y aquellos con los que
mantenían tratados. En un primer momento, los países aliados
estaban formados tan solo por Polonia,
Reino Unido y Francia,
mientras que las fuerzas del Eje
las constituían únicamente Alemania
e Italia en una alianza
llamada el Pacto de
Acero. A medida que la
guerra progresó, los países que iban entrando en la misma (por ser
atacados o tener tratados con los países agredidos) se alinearon en
uno de los dos bandos, dependiendo de cada situación. Ese fue el
caso de los Estados
Unidos y la URSS,
atacados respectivamente por Japón
y Alemania.
Algunos países, como Hungría
o Italia,
cambiaron sus alianzas en las fases finales de la guerra. La guerra
acabó con una victoria total de los Aliados
sobre el Eje
en 1945. La Segunda Guerra Mundial como consecuencia alteró las
relaciones políticas y la estructura social del mundo. La
Organización de las
Naciones Unidas (ONU)
fue creada tras la conflagración para fomentar la cooperación
internacional y prevenir futuros conflictos mientras la Unión
Soviética y los Estados
Unidos se alzarán como
superpotencias rivales.
La Segunda Guerra Mundial supuso
una ruptura traumática en el modo de pensar y de conciencia europea,
y tuvo una marcada incidencia en el modo de transmitir ese horror que
habían tenido que experimentar. La ocupación de París
por los alemanes desde 1941 y la persecución nazi en buena parte de
Europa supuso el desmantelamiento de buena parte de la
infraestructura y las redes de contactos de las vanguardias
artísticas, aunque
ciertamente no consiguió neutralizarlas. Aunque si se dieron grandes
transformaciones; una vez finalizada la guerra, el epicentro de
innovación artística se desplazará desde la París
hasta los Estados Unidos.
Un país que consolida
su papel primordial en la modernidad mundial y que sus artistas se
quedan con ciertos aires de grandeza y optimismo que contrasta con la
situación de recuperación de Europa tras la desolación. Los aires
de renovación y el rechazo de las tradiciones y convenciones en el
arte, ayudaron a equiparar la abstracción como un modo de peso de
expresión artística. La
vanguardia como
fenómeno social y político-cultural atravesará la época de lo
moderno para intervenir como una lectura fuerte de la crisis y la
crítica de su tiempo. Durante este periodo nacerán importantes
movimientos artísticos que cambiaron el concepto de arte, lo que es
el arte, y hasta lo que se considera o no obra de arte.
Al principio íbamos en pos de lo que podríamos llamar una
belleza imaginaria, un proceso de vacío básico en el que surgen
muy pocas cosas. [...] Y entonces, cuando de verdad nos pusimos a
trabajar, se produjo una especie de avalancha que no se correspondía
del todo con aquella belleza que nos parecía debía ser el
objetivo. ¿Hacia dónde vamos entonces? [...] Bueno, lo que hacemos
es ir directos hacia adelante; por allí encontraremos, sin duda,
una revelación. No tenía ni idea de que esto iba a pasar. Me
imaginaba que ocurriría algo distinto. Las ideas son una cosa y lo
que sucede es otra.
— John Cage, «¿Hacia dónde vamos? Y ¿Qué hacemos?»
Este fue el caso del compositor
John Cage
y del bailarín y coreógrafo Merce
Cunningham; el encuentro
entre Cage
y Cunningham
tuvo lugar en la Cornish
School for Performing and Visual Arts of Seattle,
escuela de arte en la que Merce
se matriculó para estudiar arte dramático. Durante el segundo curso
1938-39, Bonnie Bird
(la actual maestra de danza de Merce)
contrató a un joven músico acompañante de 26 años: John
Cage. Éste ademas al
igual que hiciera Louis
Horts en Denishawn,
enseñaba a veces composición coreográfica y animaba a los alumnos
a crear su propia música con instrumentos de percusión. Cage,
de esta propuesta, organizó un orquesta de estudiantes de la que
Cunningham
formaba parte; pero lo mas relevante de este encuentro fue obtener
una nueva visión de lo que será la relación música/danza.
John Cage
(Los Ángeles, 1912 - Nueva York, 1992), fue uno de los más
controvertidos compositores, también poeta y ensayista. Fue hijo de
un ingeniero inventor de aparatos electrónicos y submarinos, ingresó
en la Universidad de
Pomona (California), y
cursó luego en Europa estudios de arquitectura y piano. A Cage
se le sitúa dentro de la corriente vanguardista
norteamericana de la
segunda mitad del siglo XX, fue influyente en las tendencias
experimentales contemporáneas, al romper todas las normas que regían
la composición musical hasta ese momento, al introducir cambios o
procesos aleatorios en sus composiciones, comenzando por su
composición más famosa Silent
piece, 4′33″, la anticomposición
es una obra en tres movimientos realizada en 1952. La pieza puede ser
interpretada por cualquier instrumento o conjunto de instrumentos. En
la partitura, con una única palabra, «Tacet»
(del latín tacet, "él calla", "él queda en
silencio"), se
indica al intérprete que ha de guardar silencio y no tocar su
instrumento durante cuatro minutos y treinta y tres segundos. Al
respecto Cage
mencionó sobre el estreno de 4′33″:
- No entendieron su objetivo. No existe eso llamado silencio. Lo
que pensaron que era silencio, porque no sabían como escuchar,
estaba lleno de sonidos accidentales. Podías oír el viento
golpeando fuera durante el primer movimiento. Durante el segundo,
gotas de lluvia comenzaron a golpetear sobre el techo, y durante el
tercero la propia gente hacía todo tipo de sonidos interesantes a
medida que hablaban o salían- .
Posteriormente
veremos que los cuadros
blancos
de Rauschenberg
serán
el equivalente en pintura. En
la época de formación de Cage
había estudiado con Arnold
Schönberg. Schönberg
dijo de Cage
que no era un compositor sino un inventor genial. Cage
fue estandarte de la música
aleatoria y estuvo
fuertemente influenciado por el budismo
zen y por I
Ching. Debido al rechazo
de los músicos profesionales hacia sus piezas vanguardistas, Cage
decidió relacionarse con los bailarines de danza moderna. Es así
que Cage
buscó el factor común de la danza y la música y decidió que era
el tiempo. Por lo
tanto si el coreógrafo y el compositor establecían una estructura
rítmica, en la cual el tiempo se pudiera dividir en disociaciones
cuya relación obedeciera a un sistema matemático, se conseguiría
así compuestos proporcionales y el tiempo se abriría por igual a la
música y a la danza. Dando como consecuencia, que el coreógrafo y
el compositor podrían trabajar independientemente sin perder un
importante elemento unificador de la obra.
En la misma década de los 30's,
Cunningham y Cage
conocen a los pintores Mark
Tobey y Morris Graves
quienes estaba muy interesados en el Budismo
Zen. Graves
por su parte, se interesaba en las danzas de los indios
norteamericanos, al igual que el antropólogo y amigo de Cunningham,
Joyce Wilke. Derivando
de este intercambio y análisis uno de los primero solos importantes
de Cunningham, Totem
Ancestor (1944), con
música de Cage. Más
adelante veremos que estos estudios darían origen a otro ballet The
Seasons (1947).
Por su parte Merce
Cunningham (Centralia,
1919 - Nueva York, 2009), tras su formación en la Cornish
School for Performing and Visual Arts of Seattle
y siendo durante cinco años primer bailarín en la compañía de
Martha Graham.
Renueva su contacto con Cage
en 1942, desde el principio Cage
intentó convencer a Cunningham
de que abandonara la Compañía de Martha
Graham
y empezara un trabajo independiente, sin tener que someterse a la
estética de nadie. Es así que empezaron por dar un recital en el
estudio de Doris Humphrey
y Carles Weidman en
Abril de 1944. El recital estaba compuesto por 6 solos de Cunningham
entre lo que se encontraba Totem
Ancestor que
Cage acompañaba
con su prepared
piano (1938).
Totem Ancestor,
originalmente
fue creado como un anexo para unirse al recital. Este breve solo
hecho por Cunningham
se desplazaba en una línea diagonal, mientras viajaba por el
escenario saltando desde cuclillas. Esta pieza de Cunningham
fue una de las pocas que se han registrado en Laban
notation,
por Lena Belloc.
Cage
en su producción musical, tras haber traspasado todas las barreras
armónicas y su uso tan heterodoxo de los instrumentos tradicionales
le llevó al descubrimiento de sonoridades inéditas. En este ámbito
se encuentra la idea del prepared
piano,
que consiste en la creación de sonoridades inesperadas colocando
entre las cuerdas de un piano tradicional objetos como tuercas y
tornillos. La diferencia en este recital radicaba en la especial
relación música/danza
y que el prepared
piano sonaba
como una orquesta de percusión.
Durante sus años con Martha
Graham, Cunningham decidió
ampliar sus horizontes y estudiar danza académica en la Escuela
del American Ballet. El
trabajo de Balanchine
allí
fue de enorme utilidad, no sólo como bailarín sino también como
coreógrafo, en un época en la que concepción del espacio escénico
estaba en proceso de consolidación.
Es así que por fin en 1944 y 1945
hallamos a Cunningham
actuando solo, siendo para él fundamental el establecimiento de un
concepto intrínseco: alejar
de la acción dancística la intervención del impulso coreográfico
como un mero estado de ánimo del creador, por lo menos en lo que se
refiere a las concepciones figurativas del creador. Cunningham
tampoco cree que la técnica existe solamente para hacer maniobras en
el escenario. En 1950, al formar su grupo, los elementos políticos,
sexuales y descriptivos se hallan erradicados en la danza de
Cunningham.
En este sentido se aleja definitivamente de toda tendencia
expresionista, prescindiendo de todo énfasis sentimental.
El rompimiento que parecen expresar
las filosofías artísticas de Cage
y Cunningham,
son la de alejar definitivamente al creador de cualquier elemento
formal pensado de antemano o producido por un impulso interior. El
movimiento del bailarín debe proceder de la objetividad de la
experiencia dancística, la cual queda concebida en términos de una
combinación de movimiento/ inmovilidad.
El cuerpo humano es expresión suficiente. La inmovilidad
para Cunningham,
como el silencio para
Cage,
serán experiencias estéticas suficientes. Otra característica del
trabajo realizado por Cage
y Cunningham, es el
hecho de que crearon sus obras de forma independiente, pero eran
representadas de forma simultanea en una perfecta simbiosis de
música/danza. Los
dos elementos carentes de cualquier relación o parentesco, al final
coincidían en espacio y tiempo.
Como se ha mencionado su primer
ballet conjunto fue The
Seasons (1947), estrenado
en
el Ziegfeld
theater. Este ballet,
encargado por Lincoln
Kirstein, fue la primera
pieza hecha por Merce
Cunningham para
bailarines de formación clásica, participaban los miembros de la
Sociedad de Ballet
y alumnos de la School of
American Ballet, junto
con el propio Cunningham.
Él y Cage
tuvieron en cuenta tanto el arte y leyendas del noroeste de Estados
Unidos y aspectos de la filosofía hindú para su composición. En
esta obra las estaciones fueron presentadas de manera abstracta;
trataron la identificación de las cuatro estaciones con las
emociones tradicionales: invierno/ tranquilidad, primavera/creación,
verano/conservación y, otoño/destrucción. Cada una de las
secciones correspondía a los nombres de las estaciones las cuales
estaban precedidas por un preludio coreográfico devotamente
incidental. En su estructura el primer preámbulo se repite al final
para simbolizar la recurrencia de las estaciones. Cage
en
esta ocasión compuso
primero la música solo para piano, y luego orquestó con la ayuda de
Lou Harrison
y Virgil Thomson.
Los diseños fueron de Noguchi,
que incluyeron proyecciones y máscaras, propiedades que añaden
otra capa de alusión de cultura japonesa a la mezcla.
Los años inmediatamente
posteriores a la Segunda Guerra Mundial fueron prolíficos en nuevas
amistades, vínculos y descubrimientos. Cunningham
y Cage conocieron
a importantes pintores de vanguardia americanos y europeos que vivían
en Nueva York como, Jackson
Pollock, Willem de Kooning, Max Ernst, Yves Tanguy, Jasper Johns, y
sobre todo Robert
Rauschenberg. Mientras
tanto Cage
estudiaba
a fondo la Filosofía
Zen
en la Universidad
de Columbia; la
emancipación del movimiento en el bailarín iba a la par con la
liberación de toda estructura del músico llegando al concepto de
obra compuesta.
Es
así como la obra para piano de Cage,
Music of changes (1951), introducía
el azar dentro de un sistema todavía tradicional de notación, pero
muy pronto el azar determinaría toda la obra, que ya no sería tal
pues, en cada ejecución, el músico o músicos interpretarían o
improvisarían cosas distintas. El determinante del azar era desde
luego el I Ching,
y
Cunningham aceptó
el reto de introducir elementos aleatorios en sus coreografías. Más
tarde lo explicará así:
- Cualquier medio expresivo explícito se dejaba a la unidad a
medida que surgía de la aplicación del azar a los elementos. Los
bailarines, al aportar la unidad, aportan la expresión, la acción
del movimiento es expresiva, pero lo que expresa se determina
individualmente. -
En otras palabras, la coreografía estaba montada cuidadosamente,
pero las relaciones entre los bailarines y las formas externas
variaban según la técnica aleatoria.
En agosto de 1952, Cage
organiza
en la Black
Mountain College, Theater piece Nº1,
una actuación sin guión considerado por muchos como el primer
Happening. Estos
espectáculos no tenían estructura alguna. Theater
piece Nº1,
tuvo lugar en el comedor del colegio e incluyó la participación de
Rauschenberg, Cunningham,
Cage y el joven pianista
David Tudor.
Por su parte Kyle Gann
describe en su libro No
Such Thing as Silence: John Cage’s 4′33″:
-
el público estaba
sentado en cuatro secciones triangulares, mientras que Cage se puso
de pie en una escalera en el centro. Desde su posición elevada, Cage
dio una conferencia; artistas, músicos y bailarines se movían
libremente a través del espacio que contó con al menos con una de
las pinturas de Rauschenberg “Blanco” para desviar la atención
de cualquier narrativa única y que complican la distinción entre el
arte y la vida.-
Pocas semanas después de la
producción de teatro Theater
piece Nº1, David
Tudor animó a Cage
de que era el momento correcto para llevar a cabo públicamente su
Silent piece, 4′33″
durante su próximo programa en la sala de conciertos Maverick
en Woodstock, Nueva York.
La última pieza que realizaron juntos Cage y Cunningham fue
Beach Birds en 1991 en el
Teatro 11 de Zurich, para
Cunningham todo se basa en frases de movimiento individuales.
Los bailarines no tienen que bailar exactamente juntos, pueden bailar
como una parvada de pájaros cuando de repente despegan. Beach
Birds es una obra de once
bailarines, al ritmo de la danza es mucho más fluido que en otras
danzas de Cunningham, de manera que las secciones en las que
está dividida podrían diferir en longitud de actuación en
actuación. Cage compuso la música y Marsha Skinner
proporcionó el vestuario y la decoración. Los bailarines estaban
vestidos de forma idéntica: leotardos con medias blancas y guantes
negros. El telón de fondo de Skinner era una malla blanca en
la que la luz variaba en color e intensidad, decidido por una
iluminación diseñada en el uso de los métodos de azar. Beach
Birds presenta la característica de que mientras que los tiempos
musicales no se relacionan con la estructura de la danza, los cambios
graduales de luz han sido interpretados para imitar a los que podrían
producirse de sol a sol en una playa . Beach Birds fue
adaptada para el cine y llamada Beach Birds for Camera.
Trabajar con Cunningham
significaba libertad total para
el compositor y el decorador. Para los bailarines, cada actuación
era un desafío y una experiencia memorable, decía la bailarina
Carolyn Brown, que
nunca sabía con qué se iba a encontrar el día de la función, pues
la música y el decorado siempre cambiaban. Las
coreografías de Cunningham
han sido comparadas con el movimiento DaDa
debido a su aspecto de collage y por que también poseen un gran
componente Zen
con multitud de centros; lo cual no quiere decir que la danza carezca
de estructura, sino que posee un carácter orgánico, como un
elemento que nace e imita la naturaleza. Pero sin improvisaciones,
cada bailarín sabe exactamente lo que ha de hacer.
Sin duda alguna el contexto histórico es de suma importancia en el
cual se ha dado este encuentro, el momento en el que se encontraba el
mundo frente a situaciones extremas de vida y muerte en medio de un
conflicto que implicaba a todo el mundo. Fue un detonante para que se
generará un rompimiento con las estructuras establecidas en la
manera de hacer arte hasta ese entonces, eso por un lado, por otro,
la curiosidad y el interés por revisar los principios occidentales
que estaban en detrimento que devendría en un acercamiento hacia
otro tipo de filosofías y la fascinación por las culturas del
lejano oriente, dieron una pauta en un avance hacia la
experimentación.
Es considerable la naturaleza de
Cage como
menciona Schönberg,
y
me atrevería a mencionar sobre la importancia en su ímpetu de
contagio para la experimentación de los demás, como ha sido el caso
específico de Cunningham,
pero
debemos contemplar que esta oleada de rompimiento de paradigmas no
sólo repercutió en su desarrollo hacía la música, sino también
en la danza en casos posteriores como los bailarines que integrarán
en los siguientes años la Judson
Church.
Es
así que debido
a la situación de Estados Unidos como nueva potencia y obviamente su
posición favorecida frente a la época de la posguerra, Nueva York
será el centro del desarrollo de las vanguardias
quienes
cambiaron el concepto de arte, lo que es el arte, y hasta lo que se
considera o no obra de arte.
Las
investigaciones que realizaron en favor de la antítesis del sonido,
el movimiento y la forma; han replanteado la manera en la cual
percibimos amplificando el abanico de posibilidades en el hecho
creativo poniendo atención en lo accidental, lo aleatorio y lo
variable; que en el caso de la presentación concreta de los eventos,
como
posteriormente Cunningham
llamaba a sus presentaciones fuera del espacio teatral, lograban
ofrecer una experiencia a quien estaba siendo participe dentro de la
realización y a quien presenciaba tal acto.
Afortunadamente
tuve la suerte de poder presenciar una de las últimas
representaciones de la Merce
Cunningham Company
y poder observar tres de sus obras que componían el programa las
cuales eran: Pond
Way, MinEvent y Rain Forest.
Estaban llenas de una precisión en el movimiento y con una
interpretación alejada completamente del expresionismo, cuerpos
sincronizados perfectamente, no solo diseños escenográficos, sino
una intervención de los artistas plásticos, como en este caso obras
de Andy Warhol,
y simultáneamente una sonorización casi irreconocible, no melódica,
no estructural de Cage.
Por una parte una saturación a los sentidos, por otra un
ofrecimiento de estos artistas de poder brindar la libertad de poder
ser el espectador quien decida que seleccionar.
Gracias a esta experiencia creo que en la época de la posguerra se
brindaba el poder realizar una emancipación de las artes, tanto de
quien las generaba, las creaba y las consumía. Otorgando una
sensación de intertextualidad entre las artes siempre manteniendo
su individualidad y discurso propio pero que en espacio y tiempo
lograban hacerse coincidir.
Bibliografía.
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James Pritchett. (2009). Lo que el silencio enseñó a John Cage: la historia de 4 ’ 33 ’’. 2009, de MACBA Sitio web: http://www.macba.cat/PDFs/jamespritchett_cage_cas.pdf
- Cage, John. Silencio: conferencias y escritos. Madrid: Árdora Ediciones, 2002, pp. 220-222, trad. Pilar Pedraza.
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